Piano de Família

A disputa entre um irmão e uma irmã por um piano herdado revela verdades sobre como o passado é interpretado e quem realmente tem o poder de definir o legado da família.

Reviews e Crítica sobre Piano de Família

A estreia narrativa de RaMell Ross, “Nickel Boys”, é um filme metódico baseado no livro de 2019 de mesmo nome de Colson Whitehead, que também atuou como produtor executivo no projeto. Ross entrega um filme caloroso, mas desconfortável, que deixa o público devastado.

Situado entre os anos 1950 e o início dos anos 2000, testemunhamos a vida de Elwood Curtis (Ethan Herisse), enquanto ele cresce de um jovem garoto, passando pela adolescência até a idade adulta. O relacionamento entre o jovem Elwood e sua Nana, fenomenalmente interpretada por Aunjanue Ellis-Taylor, estabelece o desejo do espectador de torcer por ele enquanto ele navega vivendo no Sul em meio à Era dos Direitos Civis. Apesar de se destacar na escola e testar as águas para ir para a faculdade, Elwood se encontra em um “lugar errado, hora errada” se desenrolando, e é enviado para a Nickel Academy, onde deve passar pelos quatro rankings de reforma comportamental para ganhar a liberdade do reformatório.

Enquanto está na Nickel Academy, que é baseada na diabolicamente histórica Arthur G. Dozier School for Boys na Flórida, Elwood faz amizade com um veterano da Nickel chamado Turner (Brandon Wilson). Ross enquadra essa história de forma única e ousada exclusivamente por meio de tomadas de “ponto de vista”, alternando entre os olhos de Elwood e Turner. Para o público, a troca de perspectivas às vezes nos leva pela mesma cena de diferentes pontos de vista; a repetição e a variação aprofundam o apego e a compreensão do público por esses personagens. Os dois se tornam dependentes um do outro, percebendo que sua única saída seria fazer isso juntos. Essa perspectiva em primeira pessoa pode parecer formalmente limitante no início. Mas ela refina a história de uma forma que permite que filmagens de arquivo e outras imagens simbólicas aprimorem a visão de Ross para o filme em vez de servir como uma escolha estética arbitrária.

Embora eu ainda não tenha lido o livro, senti que alguns elementos talvez não tenham sido incluídos na adaptação, o que me deixou com algumas perguntas sobre o enredo geral. No entanto, as escolhas de Ross para a narrativa visual são atenciosas, mas complexas, e levam o público a se concentrar no que está à sua frente enquanto considera o que é conscientemente omitido. É fácil criticar um filme pelo que falta, mas acho que a ambiguidade que o público sente ao longo do filme aprimora a missão em que Ross está trabalhando. Vindo do mundo do documentário, a abordagem de Ross à narrativa ainda mantém elementos desse estilo de produção cinematográfica que se traduzem espetacularmente no espaço da narrativa ficcional. Ao aumentar o nível dessas técnicas, ele demonstra sua capacidade de manter a verdade na vanguarda de seu trabalho como documentarista e diretor narrativo. O trabalho de Ross é criar e contribuir para um arquivo de histórias negras americanas; com “Nickel Boys”, observamos um retrato sincero e cru de dois jovens negros enquanto eles embarcam em uma jornada em direção a maiores possibilidades.

Baseado na produção teatral de August Wilson de 1987, “The Piano Lesson” é uma representação sincera de como um objeto, especificamente uma herança familiar, é muito mais do que sua materialidade e valor sentimental. Com o aumento da distribuição que os filmes negros estão recebendo, é fácil, e às vezes preguiçoso, rotulá-los como histórias de superação de traumas geracionais. Neste caso, a adaptação de Malcolm Washington de “The Piano Lesson” é uma história excepcional de poder geracional e a proteção que a família e os ancestrais nos fornecem. A estreia de Washington na direção de um longa-metragem é facilitada por seu elenco repleto de estrelas, incluindo o irmão John David Washington, Danielle Deadwyler, Samuel L. Jackson e Ray Fisher; o elenco e a equipe parecem ter um entendimento mútuo da gravidade de adaptar obras canônicas como as peças de Wilson.

Boy Willie (John David Washington) está em uma missão para vender um caminhão cheio de melancias e o piano de sua família para comprar a terra onde sua família foi escravizada. Quando Boy Willie chega na casa de sua irmã para pegar o piano, a família coletivamente começa a lutar contra figuras fantasmagóricas de seu passado, mas eles estão confusos com a causa. Isso leva ao jogo da culpa e à exploração de várias soluções. Com uma performance de destaque de Deadwyler, que interpreta Berniece Charles (a irmã), há uma diferença distinta da história típica de August Wilson, onde personagens femininas geralmente não têm muita faculdade. Durante uma conversa casual com Deadwyler, ela e eu concordamos que, apesar do físico feminino de Berniece, há uma natureza dominante e ardente nela que contraria as opiniões conflitantes de seus familiares masculinos sobre o que deveria acontecer com o piano sem ser demitida simplesmente por causa de seu gênero.

Através das tribulações assustadoras, há elementos de realismo espiritual e mágico que permanecem fiéis ao trabalho de Wilson; embora sejam aprimorados por efeitos visuais cinematográficos, as imagens geradas por computador não recebem a mesma energia que o cenário e o figurino. Acredito fortemente que muitos filmes se beneficiariam de voltar ao adereço autêntico e à magia do cinema. Para mim, o CGI de “The Piano Lesson” não tirou o clímax catártico do filme, mas aqueles que não estão familiarizados com o trabalho de August Wilson podem achar que ele parece exagerado.

JDW, que participou da produção da Broadway recentemente encerrada de The Piano Lesson , luta um pouco para levar sua performance ao nível cinematográfico. No início do filme, suas leituras de fala permitem que o público identifique facilmente que este roteiro provavelmente foi adaptado de uma peça. No entanto, seus colegas de elenco elevam sua performance e, no final do filme, tanto seu personagem quanto sua execução se desenvolveram significativamente. “The Piano Lesson” atingiu todos os acordes certos, consolidando-se como um dos meus favoritos do festival.

Quando se trata dos Jogos Olímpicos, parece óbvio proclamar “o mundo inteiro está assistindo”, no entanto, esse foi um fenômeno novo para as Olimpíadas de 1972 em Munique, Alemanha, pois foi a primeira edição televisionada da competição universal. “5 de setembro” é um longa-metragem narrativo de alta intensidade que retrata a equipe de transmissão das Olimpíadas da ABC enquanto eles tentam cobrir uma crise em andamento quando 10 membros da equipe olímpica israelense são feitos reféns na Vila Olímpica. O diretor suíço Tim Fehlbaum e o astro principal Peter Sarsgaard se reúnem para contar essa história em um momento em que a integridade jornalística foi questionada; não apenas isso, as complexidades das relações internacionais dessa história ainda são relevantes.

Apesar de todo o filme se passar no estúdio de produção, a edição, a direção e as performances são tão excelentes que ele permanece dinâmico e envolvente durante os 90 minutos de duração. As realizações técnicas de “5 de setembro” são tão perfeitas que é fácil ignorar a história de cenário único. Imagens de arquivo da transmissão real de 1972 e a natureza acelerada do enredo mantêm o público em alerta.

No início da manhã de 5 de setembro de 1972, enquanto a equipe de transmissão da ABC Sports finalmente faz uma pausa e outros estão apenas começando seu turno, eles ouvem tiros; logo depois, recebem a notícia de que reféns foram feitos na vila olímpica. Apesar de não ter a experiência ética necessária quando se trata de notícias ao vivo, a equipe da ABC Sports está totalmente ciente de sua responsabilidade jornalística em relatar o evento.

O filme obriga seus espectadores a se sentirem estressados, em conflito, empáticos e simpáticos; só posso imaginar como as mais de 900 milhões de pessoas assistindo à transmissão ao vivo se sentiram. Enquanto a Alemanha tenta se redimir das atrocidades da Segunda Guerra Mundial, há múltiplas sensibilidades das quais a equipe de transmissão deve estar ciente; o conceito de linguagem e rótulos são armas com a capacidade de tornar as coisas catastróficas. Assim como a produção cinematográfica, a produção de televisão ao vivo requer um equilíbrio entre excelência técnica e ritmo, priorizando a ordem em que os pontos da trama são revelados. “5 de setembro” se destaca em transmitir o papel integral e atencioso que os jornalistas devem desempenhar.

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